Das erste Mal habe ich Bowies berühmten Song in einem Film, dessen Namen ich vergessen habe, als Cover Verision gehört. Ein anderes Mal waren wir auf dem Rückweg von einer merkwürdigen Party in Mazedonien und die Handylautsprecher waren maßlos mit dem maximalen Volumen überfordert. Als die ersten Töne von Space Oddity erklangen, drehte sich Luke begeistert um, rief: „I love that song!“ und begann zu tanzen. Der Morgen schon am Horizont, den Countdown in den Füßen, starrten wir in den Himmel und begriffen, wie merkwürdig der Weltraum ist.
Faszination Weltraum – Raummerkwürdigkeiten
Das Lied von Bowie ist besonders, ohne Frage. Major Tom, ein Astronaut, verlässt die Erde, den blauen Planeten und treibt durch die Weiten des Raumes. Man lernt in der Schule, das Universum sei unendlich. Bloß wirklich verstehen tut das keiner. Der oft gehörte Satz: „Die Tiefsee ist weniger erforscht als das Weltall“ den uns umgebenden Raum schrumpfen lässt, haben die unbekannten Welten eine magische Anziehungskraft, die nicht vergleichbar ist.
Inspiration für SpaceOddity – die Mondlandung?
Inspiriert wurde David Bowie von Stanley Kubricks Film 2001: Odyssee im Weltraum beziehungsweise mit dem Originaltitel 2001: A Space Odyssey. Der Songtitel spielt offensichtlich mit dem Filmtitel. Das Thema Weltraum ist zum Zeitpunkt der Veröffentlichung von Space Oddity mehr als präsent. Am 11. Juli 1969 releaste Bowie das Lied und nur fünf Tage später startete Apollo 11 als erste bemannte Weltraumexpedition in Richtung Erdtrabant. Obwohl der Song vor dem Start der Astronauten veröffentlich wurde, weigerte sich die BBC ihn im Radio zu spielen, bevor die Crew nicht wieder sicher von der Mission zurückgekehrt war. Deswegen schaffte es der Song zunächst nur auf Platz fünf der Charts und erst 1975 wurde die re-releasete Version zu Bowies erstem Nummer eins Hit in England.
Space Oddity und das Stylophone
Wie bereits erwähnt, hatte sich Bowie stark von dem Film 2001: Space Odyssey inspirieren lassen. Im Film wird das von Richard Strauss komponierte Stück Also sprach Zarathustra immer wieder aufgegriffen. Ähnlich wie bei diesem klassischen Werk, beginnt auch Space Oddity mit einem anfangs kaum hörbaren, sich langsam aufbauenden Instrumentalteil. Charakteristisch für Space Oddity ist das zu Beginn hörbare Stylophone. Es handelt sich hierbei um ein 1967 von Brian Jarvis erfundene Miniatur-Keyboard und wird von Bowie selbst gespielt. Der Bassist Herbie Flowers erinnert sich:
And David walking in the studio with a little thing that looked like a pack of cigaretts. And it´s a stylophone. It´s this little machine, that he bought I think in the newsagent on the corner. -Herbie Flowers
Durch dieses Instrument erzeugte Töne formen eine galaktische Atmosphäre und führen schließlich zur ersten Strophe.
Space Oddity – was steckt hinter den Lyrics?
Major Tom hebt ab, startet ins Unbekannte Universum. Kaum hat er es geschafft die Erde zu verlassen, holt sie ihn auch schon wieder ein. Die Bodenstation ist begeistert, und die Zeitungen möchten wissen, welche Marke er trägt. Belangloser könnte diese Frage nicht sein, vergleicht man sie mit der Bedeutung des Momentes für Major Tom. Er verlässt das Raumschiff, und schwerelos schwebt er über der Erde.
Er steht wortwörtlich über den Dingen, betrachtet den blauen Planten und erkennt, wie kleingeistig seine Bevölkerung ist. Tom wird still, löst sich los und gibt jede Kontrolle ab.
For here Am I sitting in a tin can Far above the world Planet Earth is blue And there‘s nothing I can do
Nach der Bridge folgen der ikonische, schnelle Akkordwechsel mit einem Intrumentalteil, der überleitet in die letzte aus Major Toms Perspektive gesungene Strophe. Er verabschiedet sich von der Welt und seiner Ehefrau und die Verbindung zur Bodenstation bricht ab.
This song Space Oddity is about a guy, an astronaut, that suddenly wanted to pull the plug on everything. -Herbie Flowers
Und wenn man in die Sterne schaut und am Rand des Vorstellbaren steht, hinabblickt, dieses Ziehen im Bauch verspürend, dann macht dieser Wunsch vielleicht Sinn.
Questlove collects the 500 songs that have changed not just popular music, but also the world Questlove's Music Is History is an in-depth look into the 500 most influential songs in the history of music. Most famously known as a the drummer and joint frontman for the Grammy Award-winning band The Roots, Questlove is also an astute musicologist and voracious historian. In this book, Questlove dives into musical history from every decade of twentieth century, choosing one essential track from each year. The author thoughtfully and insightfully unpacks each song's cultural significance by placing it in its historical context, discussing real world events that shaped both the song's creation and its lasting impact. Analyses of iconic classics like "Sir Duke" by Stevie Wonder include tangents into the histories of science, politics, and pop culture. Questlove moves fluidly from the personal to the political, from Curtis Mayfield to the history of Black representation in cinema to musings on the Nixon presidency. Complete with comprehensive playlists organized around personal, playful themes like "Songs That Got Shafted" or "Songs With a Part I Really Like Even Though I Don't Like the Whole Song," this book is so full of Questlove's essential recommendations that it feels like a conversation with the industry's coolest music obsessive. Music Is History is a masterclass in music by a contemporary icon—a new American musical canon from one of music's most influential and unique voices.
All'inizio degli anni Settanta, all'interno del variegato universo della musica africano-americana, particolarmente nel mondo dell'R&B, si assiste ad un mutamento epocale: prendono piede gli arrangiamenti orchestrali e le atmosfere si fanno più suadenti e leggere, pur conservando in taluni casi le istanze di protesta sociale della gente di colore. Tutto ciò rifletteva, probabilmente, un benessere sconosciuto nei decenni precedenti ed una libertà di espressione, prima impossibile. Mentre il rhythm and blues veniva in parte soppiantato dal funk, a Los Angeles nasceva la 20th Century Records con Barry White testa di serie del nuovo catalogo, da Miami partivano le produzioni della TK Records: esplodevano in pista e nelle classifiche Timmy Thomas, George McCrae e K.C. & The Sunshine Band, a Filadelfia gruppi come gli O'Jays, i MFSB (Mother Father Sister and Brother) e solisti come Teddy Pendergrass e Billy Paul legittimavano la nascita di un vero movimento. Già all'opera fin dalla metà degli anni '60, Gamble e Huff avevano iniziato a sperimentare le soluzioni sonore che, dieci anni dopo, sarebbero state alla base del cosiddetto Philly Sound. Soprattutto il loro lavoro in studio con Jerry Butler (co-fondatore assieme a Curtis Mayfield degli Impressions) portò alla definizione di alcuni precisi moduli espressivi. In particolare un uso dell'orchestra sposata perfettamente alla ritmica, arrangiamenti sofisticati con tendenza al sinfonico, una dinamica morbida e felpata ed una melodia accattivante caratterizzavano quei primi prodotti che diventeranno paradigmatici per una pletora di emuli e succedanei. La disco music ha lasciato un solco profondo nella storia della musica contemporanea, sia per qualità che per quantità (otre settantamila titoli nell'arco di un decennio). In verità, all'inizio degli anni '70 accadde qualcosa che ha modificato in maniera irreversibile il modo di intendere e fruire i prodotti musicali destinati alle piste da ballo. Il nuovo stile, infatti, non era solo un ballo o uno specifico genere di musica, ma diventò ben presto un variegato microcosmo legato ad un preciso modo d'interpretare la vita ed il consumo di tempo libero, di vestirsi, di atteggiarsi; soprattutto, per la prima volta questa nuova liturgia del movimento si consumava con collettiva ritualità in dei veri e propri templi della danza e del divertimento denominati discoteche.
NEW YORK TIMES BESTSELLER • A beautifully written, witty memoir that is also an immersive exploration of classical music—its power, its meanings, and what it can teach us about ourselves—from the MacArthur “Genius” Grant–winning pianist LONGLISTED FOR THE ANDREW CARNEGIE MEDAL • “Jeremy Denk has written a love letter to the music, and especially to the music teachers, in his life.”—Conrad Tao, pianist and composer ONE OF THE BEST BOOKS OF THE YEAR: The New Yorker In Every Good Boy Does Fine, renowned pianist Jeremy Denk traces an implausible journey. His life is already a little tough as a precocious, temperamental six-year-old piano prodigy in New Jersey, and then a family meltdown forces a move to New Mexico. There, Denk must please a new taskmaster, an embittered but devoted professor, while navigating junior high school. At sixteen he escapes to college in Ohio, only to encounter a bewildering new cast of music teachers, both kind and cruel. After many humiliations and a few triumphs, he ultimately finds his way as a world-touring pianist, a MacArthur “Genius,” and a frequent performer at Carnegie Hall. Many classical music memoirs focus on famous musicians and professional accomplishments, but this book focuses on the everyday: neighborhood teacher, high school orchestra, local conductor. There are few writers capable of so deeply illuminating the trials of artistic practice—hours of daily repetition, mystifying advice, pressure from parents and teachers. But under all this struggle is a love letter to the act of teaching. In lively, endlessly imaginative prose, Denk dives deeply into the pieces and composers that have shaped him—Bach, Mozart, and Brahms, among others—and offers lessons on melody, harmony, and rhythm. How do melodies work? Why is harmony such a mystery to most people? Why are teachers so obsessed with the metronome? In Every Good Boy Does Fine, Denk shares the most meaningful lessons of his life, and tries to repay a debt to his teachers. He also reminds us that we must never stop asking questions about music and its purposes: consolation, an armor against disillusionment, pure pleasure, a diversion, a refuge, and a vehicle for empathy.
Robert Philip explores the extraordinary history of music in all its forms and across the globe, from our earliest ancestors to today's mass-produced songs. Covering a remarkable range of genres, including medieval chant, classical opera, jazz, and hip-hop, this Little History shines a light on the wonder of music?and why it is treasured across the world.
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